(*Fuente: http://arts.galeon.com/album1065142.html )
lunes, 25 de febrero de 2008
La Silla "Thonet"
(*Fuente: http://arts.galeon.com/album1065142.html )
miércoles, 6 de febrero de 2008
Mucha y el Art Noveau
Alfons Maria Mucha (24 de julio de 1860 - 14 de julio de 1939) fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau.
Biografía
Nació en la ciudad de Ivancice, Moravia. Sus habilidades para el canto le permitieron continuar su educación secundaria en Brno, capital de Moravia; sin embargo desde niño se sintió principalmente atraído por el dibujo. Trabajó en empleos de pintura decorativa en Moravia, mayoritariamente para puestas teatrales. En 1879 se mudó a Viena para trabajar con una compañía vienesa de diseño teatral logrando de ese modo completar su educación artística. Cuando en 1881 un incendio destruyó el negocio de sus empleadores, retornó a Moravia, trabajando de manera independiente, haciendo pinturas decorativas y retratos. El Conde Kart Khuen de Mikulov lo contrató para decorar con murales el Castillo de Hrusovany Emmahof, quedando tan gratamente impresionado que acordó apadrinar el aprendizaje formal de Mucha en la Academia Munich de Finas Artes.
Mucha se mudó a Paris en 1887 y continuó sus estudios en la Académie Julian y en la Académie Colarossi, produciendo al mismo tiempo ilustraciones para revistas y publicidades. En 1894 produjo el grabado para un póster publicitario litográfico de Sarah Bernhardt para el Theatre de la Renaissance. Fue esta obra, con su estilo exuberante y estilizado lo que le dio tanto fama como numerosas comisiones.
Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales en lo que se llegó a conocerse como el estilo Art Nouveau. Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. Este estilo fue imitado con frecuencia. De todos modos, Mucha intentó distanciarse de tal estilo a lo largo de su vida, insistiendo que más que adherir a cierto estilo en boga, sus pinturas se originaban en su propia inspiración. Declaró que pensaba que el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial. Por ende siempre quiso concentrarse más en proyectos elevados que ennoblecieran el arte y su lugar de nacimiento. Mucha visitó los Estados Unidos entre 1906 y 1910, retornando luego a tierras checas para establecerse en Praga, donde decoró el Teatro de las Finas Artes así como otros lugares distintivos de la ciudad.
Cuando Checoslovaquia ganó su independencia, luego de la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó estampillas, notas bancarias y otros documentos gubernamentales para la nueva nación. Pasó muchos años trabajando en lo que consideró su obra maestra, La Épica Eslava (Slovanská epopej), una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos, que fueron donadas a la ciudad de Praga en 1928. Mucha había soñado con completar esta serie, una celebración de la épica eslava, desde su juventud. Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Mucha fue arrestado y cuestionado por los ocupantes alemanes. Nunca se recuperó de la tensión de este evento, ni de ver su hogar invadido y vencido. Murió en Praga el 14 de julio de 1939 y allí fue enterrado, en el cementerio de Vysehrad.
Al tiempo de su muerte, el estilo de Mucha se consideraba ya pasado de moda, pero el interés por su arte revivió en la década de 1960, y continúa experimentando interés de manera periódica desde entonces, influenciando a ilustradores contemporáneos. Gran parte del interés en el trabajo de Mucha puede ser atribuido a su hijo, el autor Jiri Mucha, quien escribió extensamente sobre su padre y dedicó gran parte de su vida a llamar la atención hacia las obras de aquel.
martes, 15 de enero de 2008
Dadá
El dadá o dadaísmo fue un movimiento antiarte que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916, que se caracterizó por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando una especie de anti-arte o rebelión contra el orden establecido.
Surgido en Europa y en Norteamérica como movimiento artístico. Apareció en Zúrich, Suiza entre 1916 y 1922 con Tristan Tzara como su fundador. Lo llamo así el escritor Tristan Tzara para significar el "balbuceo" del arte: atacó violentamente todo lo existente en el arte. Otras de las versiones señala que fue la primera palabra encontrada en el diccionario, que significaria "caballito de juguete" o también las primeras palabras que pronuncia un bebé.
Fue una oposición al pasado violento de la Primera Guerra Mundial. El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distingue por: la inclinación hacia lo dudoso, terrorismo, muerte y nihilismo, lo fantasioso, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tónica general de rebeldía o destrucción.
Dadá se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo entendiendo por humanismo la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria. No por casualidad en una de sus primeras publicaciones había escrito como cabecera la siguiente frase de Descartes: «No quiero ni siquiera saber si antes de mí hubo otro hombre.»
El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestionan la existencia del arte, la literatura y la poesía. Por definición, cuestionan el propio dadaísmo.
En poesía el dadaísmo abre el campo para la llegada del surrealismo y ayuda a crear un lenguaje poético libre y sin límites. Para entender qué es la estética dadá en el mundo de la poesía nada mejor que recoger los consejos que Tzara propone para hacer un poema dadaísta:
- Tomad un periódico.
- Tomad unas tijeras.
- Elegid en el periódico un artículo que tenga la longitud que queráis dar a vuestro poema.
- Recortad el artículo.
- Recortad con todo cuidado cada palabra de las que forma tal artículo y ponedlas todas en un saquito.
- Agitad dulcemente.
- Sacad las palabras una detrás de otra, colocándolas en el orden en que salgan.
- Copiadlas concienzudamente.
- El poema está hecho.
El movimiento dadaísta dejó las revistas y manifiesto que sin duda son la mejor prueba de sus propuestas pero, por definición, no existe una obra dadá. Lo propio del dadaísmo eran las veladas dadá realizadas en cabarets o galerías de arte en la que se mezclaban fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales espontáneos y un ceremonial continuo de provocación.
La primera guerra mundial también llevó a Nueva York a grupos de artistas y refugiados. Entre ellos hay que destacar a Duchamp y Picabia.
Duchamp llegó de París a Nueva York con un regalo de los franceses para los gringos ( particularmente para el coleccionista Walter Arensberg) que consistía en una bola de cristal con aire de París. Era el comienzo de los ready-mades (una rueda de bicicleta montada sobre un taburete, un botellero, un orinal, etc.), objetos sacados de la realidad y puestos en la esfera del arte por la simple acción y voluntad del artista.
En 1913 tuvo lugar en Nueva York la Exposición Internacional de Arte Moderno, más conocida como el Armory Show. Allí, el Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp causó una auténtica conmoción y fue calificada de obra maestra por Breton. Duchamp se convirtió en la bestia negra del arte moderno. Marcel Duchamp ha pasado a la historia como uno de los artistas más enigmáticos e inteligentes.
La obra más importante de Duchamp es La casada desnudada por sus solteros. Ya conocida en como el gran vidrio. En esta obra, entre otras cosas, Duchamp utiliza técnicas en las que pone de manifiesto su preocupación por la corrección matemática en el uso de las formas. La pieza está precedida en su proceso de realización por multitud de dibujos en los que calculó todos los detalles con precisión matemática, como si se tratara de una máquina. También utiliza el azar al admitir como parte de la pieza las roturas que ésta sufrió en 1923 al ser trasladada a una exposición en Brooklyn. Duchamp dijo que aquello no alteraba la pieza, sino que era entonces cuando la daba por acabada.
Duchamp, a partir de 1921, abandona el arte para dedicarse al ajedrez.
martes, 1 de enero de 2008
Capos del Diseño Industrial: Alec Issigonis
Este capo es el diseñador del famoso Mini Cooper, Sir Alec Issigonis (1906-1988), nació en Smyrna, Turquía. En 1923 emigró a Inglaterra para estudiar ingeniería. Luego de varios trabajos como ingeniero automotriz, en 1936 se une al equipo de diseño de la Morris Motors (que luego se convertiría en la BMC) como diseñador de suspensiones. Durante la Segunda Guerra Mundial, comienza a diseñar un auto compacto que se convertiría en el Morris Minor, el cual fue lanzado en 1948 con gran éxito. Cuando ocurre la crisis de Suez (guerra Inglaterra - Egipto), Leonard Lord, presidente de BMC, vió la necesidad de crear un auto compacto y en 1957 ordena a Issigonis detener todos los trabajos y dedicarse a la producción de un auto compacto siendo el único requisito usar partes ya existentes de la BMC para así reducir costos.
La idea era construir un auto de pequeñas dimensiones, con capacidad para 4 adultos y su equipaje. Su notable diseño redujo considerablemente su tamaño, haciendo un modelo con suspensión independiente en las 4 ruedas, motor transversal delantero, transmisión delantera, caja de velocidades integrada al motor y radiador ubicado en el lateral izquierdo.
Luego de 2 años de desarrollo fue lanzado al mercado con un éxito sin precedentes. Hoy en dia bajo la firma BMW su fama aumenta a pasos agigantados.
Siempre fue un auto que sedujo; Goldie Hawn tiene uno rojo rabioso, Elijah Wood del "Señor de los Anillos" está muy orgulloso de poseer el diminuto clásico color negro; Madonna lo tiene en un color azul fuerte, John Lennon también tuvo uno y hasta Maradona hasta hace poco se lo podia ver en uno completamente negro. | |
Capos del Diseño Industrial: Philippe Starck
Este francés nacido hace 57 años comenzó en el '68 en una empresa de objetos inflables. En el '69 fue director de arte junto a Pierre Cardin y recién en 1975 comienza a trabajar como diseñador de interiores y de productos. En 1982 su carrera empieza a ser reconocida luego que diseñara la propiedad del presidente Mitterand.
Desde aquella época no paró de crear un enorme mundo de objetos, desde los mas mundanos hasta los proyectos mas ambiciosos. Reconocido por su arquitectura expresionista, sus productos alegóricos y muchos de ellos excéntricos. Ninguna de sus obras jamás pasaron desapercibidas. Diseñó varios hoteles de lujo por el mundo entero (entre ellos el proyecto Porteño de Alan Faena en Puerto Madero). Hoy Starck vive yendo y viniendo en 4 ciudades: Paris para sus relaciones públicas, NY, Isla de Burano (Italia) y Londres.
Esta imagen es la portada de uno de sus mejores libros. | |
Y sino como piensan que viaja hasta su casa en la isla del Mediterráneo??... |
Como se imaginarán fué muy dificil la elección entre tantas obras de tan prolífico diseñador. Espero que hayan disfrutado de este pequeño tour. Quien quiera ver mas de este capo, visiten: www.philippe-starck.com
Capos del Diseño Industrial: Raymond Loewy
Entre los productos que diseño se encuentran una serie de autos, trenes, barcos, aviones (como el presidencial de Kennedy), electrodomésticos, logotipos y otros productos como cepillos dentales y lapiceras. Fué consultor de empresas como IBM, Coca-Cola, Shell, Exxon, General Motors, BMW y United Airlines entre otras tantas. Además fue contratado por la NASA para el diseño de varias cápsulas espaciales.
Este genio del diseño fue denominado el "padre del diseño americano" y uno de los mas importantes del siglo XX. Su estilo denominado "Streamline" (aerodinámico) marcaron un hito en el diseño de su época creando productos no solo funcionales y fáciles de usar sino sobretodo agradables a la vista.